CHARLESTON

Este baile se origina en Estados Unidos en 1903, concretamente en Charleston, Carolina del Sur. Parece que su origen está en una danza africana llamada Juba. Comenzó a practicarse en los años 20, como una forma de diversión y distracción por la comunidad negra, y que fue rápidamente copiada por los blancos.
El primer éxito de este ritmo fue en 1923, con una canción llamada "The Charleston" de James Johnson, que ayudó a popularizarlo en los Estados Unidos. El baile se introdujo en las salas de baile, en donde foxtrot era el ritmo más popular. Entonces el Charleston se convirtió en una forma extravagante, loca, y divertida, de bailar el foxtrot.

La persona que más contribuyó a la introducción de este estilo en las pistas fue Kathryn Wilson, considerado como el inventor del Charleston moderno de los años 20. Bill "Bojangles" Robinson, fue un bailarín de claqué americano que destacó en este baile introduciendo un estilo menos frenético, pero más popular, llamado Jazz tap.
El Charleston fue un ritmo, y también un símbolo, que caracterizó una época de despreocupación y frivolidad, la de los locos años 20. Una época llena de cambios sociales y culturales.
Este baile podía realizarse individualmente o por grupos. También se ejecutaban los piques, en donde un bailarín realizaba sus pasos mientras los demás bailaban base alrededor, después otro bailarín le sustituía picándose y compitiendo para hacerlo igual o mejor que el anterior. Algo similar a los piques del breakdance.
El Charleston llegó a ser tan popular en Europa, que casi el 80% de la población lo practicaba y disfrutaba. Su fama fue en aumento hasta el año 1927, cuando comenzó a decaer, empujado por el Black Bottom primero, y más tarde por el Quickstep, aunque algunos de sus pasos han permanecido dentro de las coreografías de otros bailes como el quick o el Lindy hop.
Recomiendo el vídeo que viene a continuación, para aquellos curiosos que quieran saber cómo eran los bailes de las primeras décadas del siglo XX, en América.

AUTOR: SOL 1 "D"

La Capoeira

La capoeira es una danza popular brasileña, creada por esclavos africanos durante la época de la colonia portuguesa.

Puede ser vista, como un arte de defensa personal, sin embargo, esta definición dejaría fuera toda otra serie de elementos fundamentales que la conforman: la capoeira es danza, la capoeira es lucha, la capoeira es juego, es teatralidad, es canto y es música. Las letras de sus canciones, música y lenguaje corporal reflejan sus raíces culturales, históricas y filosóficas. La capoeira trasciende su naturaleza de arte marcial para transformarse en toda una expresión de resistencia y lucha, por parte del pueblo esclavo, ante la dominación portuguesa. Por todo esto, la capoeira es una expresión de vida, de una tradición y un folclore que reconocen como su valor más alto la libertad.

Por su historia marginal, asociada a siempre a los sectores más desprovistos de la sociedad brasileña, la capoeira fue perseguida y castigada por la ley, aún muchos años después de la abolición de la esclavitud. Es hasta el principios de 1900 que Mestre Bimba consigue abrir la primera academia oficial de “Luta Regional Bahiana” y, a través del éxito en diversos torneos de artes marciales, obtenido con su capoeira, consigue popularizarla y reivindicarla entre amplios sectores de la población, consiguiendo finalmente que sea declarada como deporte nacional  de Brasil hacia década de 1930.

Nuestra danza es ejecutada tradicionalmente dentro de un círculo de personas (la roda), acompañada de berimbaus, panderos y otros instrumentos tradicionales. Sus canciones narran historias; su música indica el ritmo. En su conjunto, la roda expresa las convenciones y rituales que deberá respetar cada pareja al pasar al centro a improvisar su juego, su lucha. De allí que el acto físico de la capoeira resulte inseparable de todo su contenido artístico y cultural.

Hoy en día la capoeira se practica en todas las regiones del mundo, sin distinción de sexo, edad, origen étnico o posición económica. Debido a sus características multifacéticas, ha llegado a ser incluida como parte de la formación de actores y bailarines, adaptada para servir de método terapéutico a personas con capacidades especiales, ensamblada dentro de proyectos de desarrollo social y superación de la pobreza y, desde luego, incluida dentro del marco de enseñanza de los programas de educación física. Cada vez más, se le valora como una actividad deportiva, recreativa y cultural sumamente compleja.

AUTOR: SOL 1D

 

Diablada de Oruro

La diablada o llama (Danza de diablos) es una danza primigénia, típica y principal de la región de Oruro, en Bolivia, llamada así por la careta y el traje de diablo que usan los bailarines. La danza representa el enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal, mezclando tantos elementos propios de las tradiciones católicas introducidas durante la conquista española y ritos ancestrales andinos. Esta danza nace y origina en Oruro y se expande en diversas regiones de América con el pasar del tiempo (sur del Perú y norte de Chile), se aprecia principalmente en el Carnaval de Oruro en Bolivia. Actualmente los residentes Bolivianos fundaron comparsas en varios países como, Argentina, Estados Unidos y Austria.

Danza de carácter dual, Pagano y religioso que se baila a devoción de la Virgen del Socavón y culto al "tío de la mina" (Wari, quien es la representación del Dios Uru que guarda en las entrañas de la tierra ricos tesoros y los mineros invocan su nombre para obtener mejores vetas), llevando en sus atuendos elementos prehispánicos de la "Sagrada serranía de los Urus", esta danza de modo alguno podría representarse como un ballet callejero por su coreografía y estilo y no debe de confundirse la aparición de esta danza como tal, que es colonial, con sus antecedentes indígenas, mestizos y españoles.

 

 

Antecedentes:

 

Sus antecedentes más remotos se encuentran en la época prehispánica, la danza del “llama llama”, danza que la posterior lengua Aymara consagró irónicamente a la danza de los Urus disfrazados de Diablos, registrado por Ludovico Bertonio. Con la llegada de los españoles a esta región en 1535 y los Agustinos en 1559 con la Virgen Candelaria, se empieza a producir una transculturización de religiones y culturas.

El proceso de desarrollo etnohistórico del disfraz y la danza de la diablada se enmarca en tres periodos, según el documento del Carnaval de Oruro enviado a la Unesco:

• 1606 a 1789: Periodo histórico con el acta de fundación de la Villa de San Felipe de Austria por el Lic. Manuel de Castro Castillo y Padilla en un espacio llamado Uru Uru (Hoy Oruro), donde subsiste en parte el culto de los Diablillos (llama llama) al "Itwu", Tiw o Ito “Tío” (metátesis del término Itwu) de la mina que poco a poco va transformándose en un culto mixto a la “Virgen del Socavón"–Tío de la mina (Wari)”.

• 1789 a 1944: Oficialmente la imagen de la Virgen seria entronizada y a partir de la fecha su imagen seria venerada por mineros disfrazados de diablos incluyendo el Arcángel San Miguel. Hacia 1818 el cura Montealegre da a conocer el “Relato de la Diablada”, finalmente en 1891 se termina la construcción de la capilla del Socavón. Y para 1904 nace la primigenia “Diablada” con el rótulo de La “Gran Tradicional Auténtica Diablada Oruro” institucinalizandose a partir de la fecha, logrando organizarse en "comparsa" con responsables tanto de organización, danza y cofradía. Diablada que empieza a viajar al interior y exterior del país, para mostrar su espectacular coreografía, música y disfraz.

• 1944 a 1960: En este periodo se forman nuevas agrupaciones de Diabladas en 1944 como la: Fraternidad Artística y Cultural La Diablada, en Junio del mismo año el Conjunto Tradicional Folklórico Diablada Oruro y después, el “Circulo de Artes y Letras”. En 1956 se funda la “Diablada Ferroviaria” y finalmente en 1960 la “Diablada Artística Urus”. Diabladas que también viajan al interior y exterior del país mostrando la riqueza cultural de Oruro, provocando la fundación de agrupaciones similares en otras geografías del continente sud americano. 
• AUTOR: SOL 1D

Danza aérea

La danza aérea es la fusión o combinación de la danza contemporánea con las artes circenses, las acrobacias o con el teatro, donde la coreografía se realiza principalmente alejada del suelo, siendo frecuente el uso de técnicas de escalada.

Dentro de este conjunto de actividades, podemos diferenciar la tela acrobática de la danza vertical. También podemos denominar danza aérea a la danza asistida con arneses aunque no se desarrolle en plano vertical.

La tela acrobática aparece en los nuevos espectáculos circenses (véase Circo del Sol); los artistas se encuentran suspendidos en una o más telas, realizando sus movimientos a lo largo de la misma.

En cambio, para la danza vertical se suele emplear como escenario una pared o la fachada de un edificio, y los bailarines quedan colgados de una cuerda, anclados al extremo de la misma con un arnés. Cuando la creatividad del espectáculo juega con los espácios públicos y la arquitectura, podemos hablar de danza urbana

DANZA MEDIEVAL

Las danzas medievales son relativamente mal conocidas, habiendo dejado pocas trazas escritas. Si algunas crónicas de la época hablan de ellas, ninguna las describe, de modo que hoy día es casi imposible saber como eran danzadas.

A esta dificultad se añade el problema del desciframiento musical: la notación musical se hacia en esa época en un "pentagrama" de cuatro líneas (y no de 5 como hoy), lo que hace que la interpretación de las frases melódicas sean bastantes aleatorias.

Las primeras descripciones detalladas de baile en Europa datan de 1450 en Italia, después del comienzo del Renacimiento. Sin embargo, se sabe que el baile fue popular en Europa durante la Edad Media, ya que es representado en pinturas y miniaturas, y se describe en los textos.

Las formas de danza en la Edad Media incluían el carol y la estampie. El carol consiste en un círculo de bailarines cogidos de la mano, con los bailarines bailando mientras cantaban. Tanto el carol como la estampie son también formas musicales. La navideña carol (como forma musical) sobrevive hasta la época moderna.

Entre las danzas de las que se conserva el nombre hasta hoy, son de destacar:

• Carol, término genérico.
• Danza macabra (siglo XIII).
• Estampie (siglo XIII).
• Branle (siglo XIV).
• Saltarello (siglo XIV).
• Tresque (siglo XIV).
• Basse danse (fin siglo XIV).
• Tarantela (siglo XV).    

Anita *-*

ROCK AND ROLL

Historia del Rock and Roll.

Durante la década de los 30 y 40, predominan en las pistas de baile americanas todos los bailes de swing, como el Lindy hop y sus derivados: jitterbug, balboa, boogie-woogie, jive, etc.

En los años 50, se mezclan la música del swing con otros ritmos americanos como el country o el blues, originando el Rhythm and Blues, que tiene como instrumento característico y novedoso la guitarra eléctrica. Este género musical nace con problemas y prejuicios raciales, por lo que no termina de imponerse comercialmente. Con la aparición de algunos cantantes blancos y sus aportaciones musicales, el ritmo se transforma en lo que se llamará rock and roll.

Fue en 1951 cuando el locutor de radio de Cleveland, llamado Alan Freed, bautizó a este ritmo como rock and roll. Rápidamente empieza a ser popular entre los jóvenes que lo bailan al estilo Lindy. El primer éxito del rock 'n' roll fue en 1954, cuando "Bill Haley and the Comets" lanzaron una canción llamada "Rock Around the Clock". El piano será otro instrumento decisivo en la creación de este género musical.

En cuanto al baile, en un principio no se diferenciaba excesivamente del Lindy hop del los años 30. Posteriormente iría evolucionando hacia un estilo propio, caracterizado por el desarrollo de las patadas o flicks del Lindy. También se incluirían figuras y pasos del Boogie.

Este rock de patada evolucionará finalmente al rock acrobático, que como su nombre indica, es pura acrobacia. Este último estilo se sale de los cánones del baile de salón. Es más bien un baile espectáculo.


El rock que actualmente bailamos en las salas de baile de salón, es una mezcla del Jive y boogie-woogie, dos estilos que se desarrollaron a partir del Lindy. De ellos se cogería el chasse, que nunca ha formado parte del rock and roll, salvo en las últimas décadas.
Realmente, el rock and roll que bailamos en la actualidad, es una mezcla entre jive y woogie, pero con la música del rock and roll. El auténtico rock dejó de bailarse al transformarse en el actual rock acrobático. 

El Baile

El rock and roll social que se baila en la actualidad es muy parecido al East Coast Swing, baile de competición americano, y al Jive de las competiciones americanas. El paso base tiene una secuencia de ocho pasos: 1-2, 1-2-3, 1-2-3 (Q, Q, QandQ, QandQ). Es un atrás-piso, chasse a un lado y chasse hacia el otro lado.

Las figuras vienen del woogie-boogie o del East Coast Swing, aunque es normal incluir algunas figuras del Jive. Se admiten adornos muy vistosos como las patadas ("flicks" y "kicks") que sustituyen a los chasses. Otro adorno es el "kick Ball Change" que es otra patada hecha justo antes del atrás piso.

La exigencia física del rock suele ser bastante, con lo que algunos bailarines suelen hacer trampa y sustituir el chasse por un solo paso. Lo importante para estos "tramposos" es que no dejen de ir a ritmo. Sin querer, están bailando lo que actualmente se llana Jive moderno.
El paso y figuras en ocho tiempos (1-2, 1-2-3, 1,2, 1-2-3), tipo "whip", que se realizaba en sus comienzos, queda reservado sólo a los bailarines más expertos.

Existen en las salas dos estilos de baile, uno más tipo Jive, haciendo el chasse con un salto muy marcado, y otro estilo más parecido al woogie de los 40, en donde el chasse es liso. Es un baile que tiene pasos fáciles, pero que presenta dos dificultades: una, la exigencia física, y otra, el estilo. Tener un buen estilo dependerá de la práctica en el chasse y los adornos.
La batería marca muy bien el ritmo, por lo que no suele haber problemas rítmicos. Para empezar es muy aconsejable elegir lentos, e ir bailando otros temas más rápidos según se va avanzando en el aprendizaje.

Anita *-*

DANZA POPULAR

"HISTORIA Y EVOLUCIÓN DE LAS DANZAS POPULARES"

Generalmente se diferencian bastante entre ellas dependiendo de cada país y el momento histórico en el que surgen, donde también juega un papel importante la música con la cual se acompañaban.

Las danzas modernas africanas por ejemplo tienen una fuerte presencia de instrumentos de percusión, lo cual se ve reflejado en el espíritu de sus bailes y el modo de desarrollarlos.

"VESTUARIO"

El vestuario que se utiliza muchas veces forma parte del baile, ya que dependiendo de sus características se puede usar coreográficamente, dotando los movimientos de mayor “vuelo” y colorido.

A lo largo de la historia las danzas populares sirvieron como forma de protesta y como medio de exteriorizar las inquietudes del pueblo, siendo un excelente medio para realizar planteos puntuales y existenciales.

Por otro lado sirvieron para crear fuerte lazos entre los habitantes, motivando aspectos tales como el intercambio, compañerismo, amistad, solidaridad y valoración de las demás personas.

Además las danzas populares siempre fueron motivo de diversión y dispersión, generando grandes fiestas y reuniones multitudinarias que aún persisten el paso del tiempo.

En muchas sociedades tribales, estos rituales formaban parte de la unión de las parejas, consolidándose los matrimonios o la iniciación en la vida sexual a través de estas danzas.

"ACTUALIDAD"

Las danzas populares urbanas han recogido el antiguo legado y la única diferencia es que se crean dentro de las grandes ciudades, por lo que algunos aspectos son muy distintos. La mayoría de ellas son parte de la identidad únicamente de un sector de la sociedad y no de su conjunto, siendo en ocasiones danzas más individuales que colectivas. 

Por otra parte tienen un alto grado mercantil, ya que sus creaciones buscan la aprobación de las masas con el fin de obtener ganancias, buscando la masividad a través de los medios como la radio, tele, Internet.

Anita *-*